Arranjos e Buquês de Flores

A arte dos arranjos de flores ou arranjos florais foi um componente muito importante na cultura Egípcia e os registros históricos indicam que era comum o uso de vasos com flores de corte, arranjos de flores, guirlandas, coroas de flores, cocares florais, colares, como também o uso de flores na decoração de eventos, cerimoniais, procissões ou simplesmente na decoração da mesa, do lar ou ambientes. Este fato pode ser observado nas flores de lótus esculpidas em relevo, em pedra, bem como nas decorações das paredes pintadas e estilizadas que existem até hoje. Poderemos notar também que até na Arquitetura as flores eram fonte de inspiração para esta antiga civilização, como nas colunas decoradas dos antigos templos. Decorações com lótus branco, friso em um palácio em Amarna (1352-1336 AC)

As flores estavam presentes no antigo Egito praticamente em todos os momentos, basta saber que a flor de Lótus (lótus do Egito ou lótus branco) simbolizava o Alto Egito e o Papiro representando o Baixo Egito. Por causa das regras formais da arte egípcia, o Lótus (Nymphaea lotus) consagrado para a deusa Ísis e o papiro são as plantas em destaque nesta civilização, descritos durante quase 2000 anos de forma quase que exclusiva. Esta flor aparece frequentemente nas antigas decorações egípcias..

Os antigos egípcios usavam nos arranjos de flores os recursos vegetais naturais da região do Alto e Baixo Nilo. Uma mudança sutil começa a aparecer somente durante a era ptolomaica (305-30 AC) onde foram encontradas receitas e gravuras de como fazer perfumes com flores, guirlandas com outros tipos de flores em adornos de múmias e mesmo alguns escritos da Grécia e Roma antiga descrevem que nesta época no antigo Egito existiu uma vida com maior variedade vegetal, mostrando que as plantas estrangeiras tinham sido introduzidas. Vinda da Pérsia, a lótus rosa (Nelumbo nucifera) também começou a ser cultivada no Egito, mas durante este último período a Rosa certamente era a flor que ocupava lugar principal nesta mudança. Também foi uma das primeiras civilizações em imortalizar as flores artificialmente, confeccionando peças com motivos florais em materiais duráveis, como por exemplo, o ouro.

A flor de flor de Lótus Branca era cultivada em lagoas e pântanos, sendo que as plantas mais populares entre os egípcios estavam incluídas o Papiro e a Palmeira. Como flores mais utilizadas, temos duas espécies nativas de lótus: o lótus branco (Nymphaea lótus) e a espécie azul, a sagrada Flor de Lótus (Nymphaea caerulea), Acácia, Papoula, Lírios, Rosas, Jasmins, Narciso e a Peônia entre outras.

Fatos interessantes sobre a flor de Lótus

A flor de lótus é citada em várias civilizações antigas como sendo uma flor especial. Para os Egípcios, o primeiro dos deuses emergiu do Caos inicial e da escuridão sobre uma flor de lótus, assim como acreditavam que a flor de lótus deu-lhes força e poder; restos da flor foram encontrados na tumba de Ramsés II.

O número 1.000 na antiga numeração egípcia é representado pelo símbolo do lótus branco.

Desta flor também era extraída a essência para a fabricação de perfume. Eles também usaram o lótus branco em guirlandas, para ofertas do templo e adorno feminino.

A flor de Lótus "Nelumbo nucifera" ou lótus sagrado é uma planta aquática que desempenha um papel central nas religiões indianas como o hinduísmo, budismo e jainismo.Flor de Lótus rosa - Índia. Está profundamente enraizada na cultura Asiática como símbolo da virtude, disciplina e pureza. Em ilustrações, a Deusa hindu Lakshmi aparece de pé sobre um lótus; em outra, Vishnu está sentado sobre uma flor de Lótus, usando uma coroa de broto de lótus, segurando uma flor lótus. A flor de Lótus Azul é a flor nacional do Sri Lanka.

Sugestões de Flores para presente

Uma das civilizações mais antigas, que certamente também teve o prazer de conviver com a beleza das plantas e flores mas que ainda não foram encontrado registros do uso de motivos florais ou arranjos de flores nos objetos encontrados em sítios arqueológicos. Em verdade, existem achados do período Neolítico (10.000 e 7.000 AC) demonstrando que naquela época os antigos chineses já usavam sua capacidade inventiva para desenvolverem métodos para a agricultura e até apreciar a música, ao confeccionarem flautas com os ossos das asas do "Grou da Manchúria ou Grou Japonês". Não podemos negar que alguém que tenha sensibilidade suficiente para dar atenção a este tipo de arte não tenha observado a beleza das flores ao seu redor e usado de alguma forma para adornar ou enfeitar algum momento de suas vidas. Mais para frente - Dinastia Zhou (1066-AC a 221AC) - a maioria dos objetos encontrados deste período fazem referencia a formas geométricas (zig-zag) e animais como dragões, tigres, fênix e uso de motivos zoomórficos como formas ornamentais  representado neste vaso de bronze.

As formas de expressões florais da China antiga eram tradicionalmente baseadas na arte da contemplação de Confúcio, o princípio budista da preservação e o simbolismo taoísta. Para o confucionismo, um arranjo floral deve ser contemplado filosoficamente tanto como um símbolo da existência orgânica como por seus aspectos estéticos. Os Budistas usavam as flores com moderação por causa de sua doutrina religiosa, que proíbe tirar a vida, mas na dinastia Tang (618 a 907 DC) foram colocadas flores nos altares do templo em Ku; e estão também no formato de um antigo vaso de bronze para o cerimonial do vinho que data da dinastia Shang (XVIII ao século XII AC) cujo formato foi reproduzido em porcelana em dinastias posteriores. Talvez a influência do Budismo tenha feito existir enorme presença de motivos florais como decoração em muitos objetos de uso comum, como esta xícara com gravura de flores deste período as gravuras e pinturas da China antiga. Este cavalo de cerâmica vidrada com sela decorada com flores da dinastia Tang inclui uma sela cuidadosamente decorada com tiras de couro e fechos ornamentais com oito pétalas de flores e folhas de damasco. Adornos e enfeites com motivos florais podem ser encontrados em outros objetos da época vários objetos como este espelho com motivos florais. No simbolismo taoísta, as quatro estações do ano foram indicadas pela flor de Ameixa branca para o inverno, a peônia na primavera, o Lótus no verão, e os crisântemos para o Outono. Cada mês também tem sua própria flor e significado. O desejo de longevidade, por exemplo, pode ser expresso com um arranjo de flores com a presença do pinheiro ou bambu. No Ano Novo as características florais são os Narcisos brancos e a Peônia, usada para simbolizar a boa fortuna.

As flores, folhas e plantas usadas para fazer arranjos eram cuidadosamente selecionadas com base em seu significado simbólico. Por exemplo, o bambu, o pessegueiro e a pereira foram usados para simbolizar a importância de viver uma longa vida. Outras flores, como o lírio, a romã e a orquídea, simbolizavam a fertilidade e prosperidade. A mais honrada de todas as flores, no entanto, é a peônia. Esta flor, que é referido como sendo conhecida como "a rainha das flores", simbolizava a riqueza, fortuna e posição elevada.

Arranjos de Flores no Japão

A história sobre os arranjos de flores no Japão é um caso a parte. Trata-se de uma arte elaborada e única, com convenções altamente desenvolvidas e complexo simbolismo. A arte desenvolvida a partir do costume de oferecer flores ao Buda foi introduzida no Japão entre o final do 6º e início do 7º século (período Ono no Imoko). Ono no Imoko era um político ilustre, vindo de uma notável família de aristocratas com destaque em várias áreas, como nos estudos, na poesia e caligrafia, e seguia os ensinamentos do monge budista Ikenobo Senno, fundador da primeira e mais antiga escola de arte floral, a Ikenobo. Todos os mestres depois da escola Ikenobo são seus descendentes. O mais importante entre os primeiros estilos foi o Mitsu-Gusoku, um arranjo de três ou cinco objetos normalmente composto por um queimador de incenso, um castiçal em forma de cegonha, e um vaso de flores. Este arranjo era geralmente colocado frente a imagem de Buda ou dos fundadores das seitas budistas.

Durante o período Muromachi (1336 a 1573) surge um novo e principal estilo que ficou conhecido  como "tatebana". Em seguida um estilo mais elaborado chamado "rikka" foi introduzido pelo mestre Ikenobo Senkei por volta de 1460. O estilo rikka simbolizava o início Mítico, o Mount Meru da cosmologia budista. No período Azuchi-Momoyama (1570-1600) surgiu o estilo "Nageire" para em seguida, no período Edo (1603-1867), surgir o mais próximo do atual que conhecemos como Ikebana, e que se tornou o mais popular, dando origem a uma série de diferentes escolas. No início do século 18 um período de três filiais, o estilo assimétrico, shoka, evoluiu a partir do rikka e foi cultivado pela escola Ikenobo. No final do século 18 e início do 19º o estilo shoka suplantou o rikka em popularidade dando início a muitas novas escolas de artes florais.

As flores ocidentais foram introduzidas no Japão após a Restauração Meiji (1868). O grão-mestre Ohara Unshin estabeleceu a escola Ohara (1912) concebendo uma nova base na composição dos arranjos florais, Ohara tinha em mente um novo estilo de ikebana para expressar a beleza do cenário natural. O resultado de seus esforços foi chamado de "moribana", o primeiro passo brilhante na ikebana moderna. O estilo Moribana permitiu maior liberdade na escolha e colocação dos materiais. A variação permitia a criação de pequenas paisagens realistas chamadas shakei, por vezes referindo-se como esboços de memórias. Nestes, superfície de água exposta era uma parte do desenho. Em 1930 um grupo de críticos de arte e mestres de Ikebana proclamou um novo estilo de arte floral chamado zen'ei ikebana (avant-gardem flowers) e isenta de todos os laços com o passado. Sobretudo neste grupo foi o mestre Ikenobo Teshigahara Sofu (1900-79), que fundou a escola Sogetsu em 1927. O novo estilo enfatizou a livre expressão. Ele utilizou todas as formas de vida vegetal, vivos e mortos, e os elementos que haviam sido evitados, como pedaços de ferro, latão, vinil, pedra, sucata de metal, plástico e penas. Cipós, ramos e galhos foram branqueados e pintados e usados até mesmo de cabeça para baixo, com  hastes cruzadas, utilizando um número ilimitado de materiais, sendo alguns recipientes de forma grosseiras e exóticas faziam presença na composição artística floral.

No Japão, até 1868 a arte dos arranjos florais era geralmente uma vocação para o homem, principalmente para os sacerdotes budistas, guerreiros samurais e pessoas da nobreza. Depois da restauração Meiji e particularmente após o início do século 20 começou a ser praticada por um grande número de mulheres. Os homens, no entanto, são ainda maioria como mestres das principais escolas.

No século 21, a Escola Ohara é liderada por Hiroki Ohara, 5º geração do mestre Ohara Unshin. Acredita-se que exista entre 2.000 a 3.000 escolas ensinando a arte floral, variando em tamanho e com alguns milhões de adeptos. A partir de novembro de 2009, apenas a Escola Ohara tinha mais de um milhão de estudantes em todo o mundo.

Cada escola tem suas próprias regras, embora os estilos possam variar ligeiramente um do outro. Todos os arranjos são construídos assimetricamente, de forma a conseguir um efeito tridimensional e harmonioso. Os estilos tradicionais ainda são ensinados com muitas variações modernas, mas os estilos de arranjos mais ousados e não convencionais parecem ser as mais populares.

Os arranjos florais japoneses influenciaram consideravelmente o Ocidente em meados do século 20, tornando-se muito popular e florescendo como arte nos Estados Unidos, alguns países da Europa e América do Sul.

 

Grécia Antiga (600-150 AC.)

Os gregos da antiguidade utilizavam as flores mais para o adorno, ao contrário da preferência dos Egípcios em usar flores em vasos e recipientes. Também era comum o uso de ervas em conjunto com flores principalmente em coroas e guirlandas, fazendo um conjunto único em beleza e aroma. Flores e pétalas muitas vezes eram apenas espalhadas pelo chão para formar um tapete de flores nos ambientes.
Embora utilizassem menos flores em recipientes que os egípcios, eles introduziram o "Chifre da Abundância" ou "Cornucópia", e a maioria dos arranjos tinham formato simétrico e triangular, geralmente utilizando um número limitado de cores. A cor branca, era a mais comum, fazendo referencia e sinal de pureza. Rosas, jacintos, lírios, íris, narciso, violetas, bem como folhas de uva, ervas, casca de sementes e frutas também era utilizados.

Pinturas em vasos, nos frisos dos templos, e em todos os adornos arquitetônicos ilustram a utilização generalizada de motivos florais. As flores também são citadas na literatura grega, com referencias sobre técnicas de como fazer coroas de flores e guirlandas; os materiais e  plantas mais adequadas e, em bom tempo, a maneira de vestir ou exibi-los, e quando e onde usar, também são temas de vários tratados. O uso de Frutas e legumes amontoados em cestas ou derramados como que "saindo de cornucópias" eram tipos de arranjos utilizados para oferendas religiosas, como referencia a abundância, fertilidade e benevolência.

A primeira representação de flores de corte misto, artisticamente dispostos em um recipiente, é um mosaico que data do século 2 ao lado de uma cesta de flores na casa de campo do imperador Adriano, em Tívoli, perto de Roma. As coroas de flores, grinaldas e guirlandas continuaram sendo populares entre os romanos, assim como exposições de frutas e legumes em cornucópias e cestas.

Roma Antiga (28 AC. a 325 DC.).

Os romanos continuaram com os costumes dos gregos, mas as coroas de flores e grinaldas começaram a ser mais elaboradas em cestas de formato cônico. Muitas vezes as flores eram organizadas em cornucópias, mas o desenho e acabamento não eram tão graciosos como a dos gregos, valendo-se também do perfume das flores para modificar o significado e beleza do arranjo de flores, coroas, grinaldas e cornucópias.

As coroas de louros oferecidas aos vencedores de competições de atletismo nos Jogos Olímpicos antigos é um bom exemplo da folhagem mais popular usado pelos gregos e os romanos, além de bolotas, folhas de carvalho, o loureiro, a hera, louro e salsa. Estas coroas também eram concedidas as pessoas que ganhavam méritos em outros campos, como por exemplo, na poesia. Em Roma, simbolizava uma vitória militar e os comandantes eram coroados com coroas de louros em homenagem ao seu triunfo e sucesso.

Entre as flores preferidas incluem rosas, jacintos, madressilva, violetas e lírios. Outras flores, como tulipas, delphinium e malmequeres também eram selecionados de acordo com sua forma, cor e aroma.

Período Bizantino 320 a 600 D.C.

Este período viu uma continuação do estilo grego e romano, mas as frutas e flores foram usadas em guirlandas com um efeito destorcido. Árvores estilizadas em recipientes eram feitas simetricamente com flores e folhagens em grandes cestas, taças, em vasos ou recipientes baixos. Estes eram altamente estilizados, com o uso de cores e tonalidade próximas, como verde, azul-laranja verde, azul e violeta, com toques complementar do vermelho, vermelho-laranja e amarelo.

Período medieval, a Idade Média (476 a 1400 D.C.)

Pouco se sabe a respeito da arte floral deste período, e não há qualquer tipo de informação recolhida a partir de pinturas Persas, tapetes e tapeçarias do século XIV.

Em algumas obras notamos claramente a influência oriental, sendo também utilizados vários tipos de substratos. As flores também eram usadas para finalidades religiosas. Por outro lado, os Persas se destacam quando o assunto é "Jardim". A origem dos jardins da Pérsia pode datar de até 4000 AC, e peças de cerâmica decorada da época mostram o plano transversal típico de um jardim Persa. Ainda hoje é visível o esboço do jardim de "Ciro, o Grande", construído por volta de 500 AC.

Poucas evidências restaram da decoração floral na Europa medieval. Nos mosaicos de Ravena mosaicos de Ravena mosaicos San vitale Ravena (Ravenna) os bizantinos fazem suas representações de maneira altamente artificial, com composições formais e simétricas, dando ênfase na altura, onde geralmente aparecem pináculos de folhagem com composições de flores ou frutas.

Nos Manuscritos Iluminados do período gótico (século XIII ao XV) as imagens ocasionalmente incluem simples ramalhetes florais (foto detalhe manuscrito Iluminado) ou a presença de flores simbólicas. Na definição mais estrita de manuscritos iluminados, apenas os manuscritos com ouro ou prata, como esta miniatura da ilustração do Cristo Rei do Bestiário de Aberdeen (folio 4 v), seria considerado iluminado. Esta foi uma época de intenso fervor religioso e o simbolismo das plantas e flores assumiu grande importância. Havia uma linguagem litúrgica única para as flores, distinguindo-se do significado da linguagem comum. Na igreja, por exemplo, a rosa simboliza a Virgem, nos tribunais de cavalaria o amor ou estar apaixonado. Normalmente, as plantas eram colocadas em recipientes como vasos ou potes de barro, garrafas, copos de vidro e cerâmica esmaltada.

Os arranjos florais feitos por esta cultura incluíam tipicamente formas de cone no design. A composição das folhagens em forma de cone era colocada em cálices e outros, decoradas com flores coloridas e frutas. As flores e plantas geralmente incluídas eram margaridas, lírios, ciprestes, cravos, e pinheiros. O uso de fitas também era comumente utilizado nos arranjos.

O estilo de arranjos de flores ou arranjos florais utilizados naquela época pode ser apreciado no detalhe no centro do primeiro plano do quadro "Portinari Altarpiece" - Adoração dos Pastores - do pintor Hugo van der Goes onde consta apenas um pequeno ramalhete de Lírios Madonna (Lilium candidum), Íris branco e púrpura. A mensagem do conjunto floral pode ser interpretada, levando em consideração o objetivo da obra .

No detalhe da imagem, vemos em primeiro plano os dois vasos de flores e o feixe de trigo (que lembra Belém, "casa do pão"), provavelmente fazendo alusão à Eucaristia e da Paixão. O trigo refere-se à Última Ceia, onde Cristo partiu o pão. Os Lírios laranja simbolizam a paixão e o Iris branco, a pureza, enquanto que a Íris de cor púrpura e os talos de Columbina (flor Aquilegia) representam as sete dores da Virgem. Assim, esta cena do nascimento de Jesus prefigura a salvação pela sua morte. 

Outro exemplo de concepção e estilo dos arranjo de flores da época pode ser visto na pintura do século 15, "A Anunciação", de Rogier van der Weyden (Exposto no Museu Metropolitano de Arte, New York).

Sugestão de Flores.

Lírio na cor laranja plantado em cachepot

Buquê de Rosas Brancas

Séculos 15 e 16

As decorações florais tornaram-se mais elaboradas e objeto de estudos durante o período renascentista dos séculos 15 e 16. O renascimento do interesse nas Antiguidades influenciou o uso generalizado de guirlandas e coroas de flores na Europa renascentista, especialmente na Itália. Eram populares nos desfiles e festas, na decoração de casas e igrejas, e foi comumente descrita na arte da época. Entre os exemplos mais notáveis estão a Grinalda de terracota e o altar do Santuario della Verna (Santuário do Monte Alverne) feita em placas de cerâmica decorativa e relevos feitos pela família de Andrea della Robbia no final do século 15, e grinaldas de flores, frutas e legumes nas pinturas de mestres italianos do norte tais como no quadro "Trivulzio Madonna" de Andrea Mantegna ou o quadro "Maria e a criança ", de Carlo Crivelli onde as flores e materiais vegetais cortados geralmente eram dispostos em ambos os lados e os ramos eram distribuídos de maneira a dar uma perspectiva de altos e baixos, apertados em cachos. Havia também composições piramidais em vasos de pedestal, como os que no fundo do quadro "Virgem com o Menino e São João" (Galeria Borghese, Roma) pelo artista florentino Sandro Botticelli. Arranjos de frutas e legumes em bandejas ou cestas também eram populares.

Século 17

A disposição e composição dos arranjos de flores com diversidade de materiais vegetais tornaram-se verdadeiramente uma arte e um importante dispositivo decorativo no século 17. Durante este período de crescimento da exploração industrial colonização e do comércio, novas instalações foram introduzidas na Europa, onde se desenvolvia um ávido interesse pela horticultura e cultivo de flores. As pinturas com "natureza-morta" (exemplo: Bouquet) do final do século 16, 17, e início do século 18 revelam uma grande variedade de plantas que já existiam nos jardins da Europa. Começando com Jan Brueghel (chamado de "Velvet Brueghel"; 1568-1625), criou-se uma tradição na pintura de flores desenvolvido nos Flandres e na Holanda, que culminou com as obras de Jan van Huysum (1682-1749) - Vaso com bouquet de Flores. Centenas de obras sobre "natureza-morta" dos pintores deste período é matéria-prima valiosa para estudantes de história da decoração floral, jardins e paisagismo. Devem, no entanto, ser considerado como composições idealizadas e não como traduções literais de condições reais de decoração da época. Quadros de artistas do início do século 17, especialmente os de Jan Brueghel, parecem mais interessados em exibir o conteúdo do próprio jardim. Outras representações do século 17 com bouquets mostram arranjos dispostos de maneira profusa que refletem a sensualidade e exuberância do estilo barroco. Elementos curvilíneos, tais como curvas sinuosas em "S" são outros dispositivos de projetos Barrocos utilizado para criar composições dramáticas e com grande eloqüência. Vemos que os ensaio e obras do período Barroco são estudos no domínio, contraste, ritmo e efeito escultural. No estilo, é desenhado o contorno dos bouquets usando manobra de "girar" o centro das flores, a inversão das folhas, e as curvas das hastes das flores de maneira graciosa.

O estilo francês do período de Luís XIV (1643-1715) pode ser bem exemplificado no quadro Bouquet de Fleurs (Musée des Beaux-Arts, Marseille) de Jean-Baptiste Monnoyer. Em seu portfólio está o famoso "Le Livre de toutes sortes de fleurs d’après nature" (Livro de Todos os Tipos de Flores da Natureza) retratando com precisão as flores do ponto de vista da horticultura e, ao mesmo tempo, mostrando os protótipos de gravuras na exposição. Os arranjos florais são mais livres e mais arejados do que os dos Países Baixos e ainda sugerem a opulência barroca. De Florum Cultura (Flora Olericultura di Fiori ["Flora: O cultivo de flores"]), é um famoso livro sobre jardins ilustrados com gravuras publicado em Roma, em 1633 pelo horticultor P. Giovanni Battista Ferrari. Ilustra os estilos de arranjos florais preferido pelos italianos e também descreve técnicas de montagens de arranjos de flores, dispositivos, e acompanhamentos florais. Entre os dispositivos engenhosos ilustrados existe um vaso com furos na sua parte superior removível, fato que facilita ao montar o arranjo de flores bem como colocar ou mudar a água do vaso.

Século 18

O gosto Francês e Inglês dominou o estilo dos arranjos florais no início do século 18, tendo a vida cultural e social centrada na intimidade dos quartos das casas da cidade de Paris e não nos corredores do vasto palácio de Louis XIV em Versailles.

A apresentação dos bouquet de flores passa a ser tratada com tons delicados e visual mais leve, sendo parte disto podendo ser atribuída ao gosto  feminino, tendo influenciado decisivamente o estilo Rococó. Um adereço charmoso e com apelo pessoal, o buquê ao estilo rococó e suas variações ainda é popular no século 20.

Para os Ingleses, os buquês de flores com tendência de ao estilo do período georgiano era muito mais do  que um simples apelo ao Rococó. Muitos livros foram escritos com a finalidade de catalogar a grande variedade de espécies do mundo vegetal, disponíveis na Inglaterra do século 18, dando informações sobre como cuidar e quando e onde usar. Um dos trabalhos mais conhecidos são os dois volumes de "The Gardeners Dictionary" escrito pelo botânico inglês Philip Miller. Neles, menciona o uso de arranjos e buquês de flores secas como decoração na lareira e chaminé das casas Inglesas. Durante os meses de verão, quando a lareira não estava em uso, era costume ter estes arranjos de flores, ramos e composições florais como decoração destes ambientes. As melhores ilustrações dos arranjos florais Ingleses ao estilo georgiano são os quadros concebidos pelo artista flamengo Peter Casteels para um catálogo chamado "The Twelve Months of Flowers" (1730). Este conjunto notável de gravuras coloridas de naturezas-mortas representando em Flores os doze meses do ano foi o resultado da colaboração de três figuras de destaque em seus respectivos campos na Inglaterra na primeira metade do século XVIII: Este foi o primeiro catálogo comercial de horticultura do seu tempo e, como tal, representa um ponto de definição na história da ilustração botânica, da literatura e horticultura na Grã-Bretanha. Em cada gravura, as flores de cada ramo são numeradas com a respectiva correspondência em uma lista na parte inferior da ilustração. Nas gravuras de Jacob van Huysum a exibição das flores é feita de forma mais natural, sendo que ambas as séries são de valor inestimável como fonte e material para as flores de jardins.

O período neoclássico do final do século 18 e início do século 19 trouxe um renascimento no uso das grinaldas e coroas de flores no estilo da antiguidade greco-romana, e os buquês de flores foram então mais utilizados em vasos de estilo clássico.

Era Vitoriana (1837 - 1901)

A era Vitoriana foi um período de prosperidade para o povo britânico, sendo o reinado um  longo período de prosperidade. Com os lucros obtidos a partir do Império Britânico no exterior, a expansão de atividades e desenvolvimento industrial permitiu que a classe média educada tivesse mais tempo livre para dedicar a outras atividades, e por conseqüência, dar maior atenção ao lar, aos jardins e as flores, chegando a torná-los uma extensão das obras de arte. As decorações baseadas em motivos florais, frutas e plantas tomaram conta das estampas e podiam ser encontradas em todos os lugares, em papelarias, detalhes de adorno, em papeis de parede, tecidos, na pintura das casas, e simbolismo da época. A segunda metade da era vitoriana praticamente coincidiu com a primeira parte da era Belle Époque da Europa continental e a Idade Dourada dos Estados Unidos.

Atribuir um determinado significado para cada flor parece ser algo natural, pois já era conhecido pelos gregos antigos, mas para chegar até a Europa medieval precisou passar pelo tempo das Cruzadas, sendo utilizados durante o período do Renascimento, bem como no início período Barroco. O estilo de horticultura praticado entre 1650 e 1700 é um bom exemplo. Mas foi somente na primeira metade do século XIX que se tornou uma mania, inspirada nas cartas de Lady Mary Wortley Montagu publicadas por Louise Cortambert.

Lady Mary Wortley Montagu foi escritora, e acompanhando seu o marido em viaje onde ocupou o posto de embaixador na Turquia (1716 a 1718) teve a oportunidade de conviver e descrever o cotidiano das mulheres dos haréns e também da vida mais íntima das famílias dos turcos, dando um enfoque totalmente diferente ao que era conhecido. Em algumas cartas Lady Mary escreve que estava entusiasmada para aprender mais sobre o que ela estaria chamando de "A linguagem das Flores". Relata o que seria uma linguagem que era utilizada entre os amantes para transmitir recados e mensagens usando apenas flores, frutas ou qualquer objeto que pudesse "transferir" informação entre duas pessoas. Esta forma de comunicação era usada corriqueiramente entre as mulheres turcas. Esta linguagem mnemônica é conhecida como "selam" (ou Salaam) uma forma de saudação em Turco.

Os primeiros registros literários da frase "a linguagem das flores" pode ser encontrado nas linhas do poema religioso "Jubilate Agno" de Christopher Smart, escrito durante o período 1759 -  1763.